Viņas ir sievietes, viņas ir melnādainas, un viņas par to nedara mākslu

Jaunā izstāde Nacionālajā sieviešu mākslas muzejā konfrontē divus nepatiesus pieņēmumus, kas iestrādāti mākslas pasaulē. Pirmkārt, ka sievietēm jāveido sievišķīga māksla, un, otrkārt, ka afroamerikāņu māksliniecēm jāveido figurāla un aktīvistu māksla, darbi, kas cīnās ar rases, nevienlīdzības, netaisnības un pret melnādainajiem cilvēkiem vērstās vardarbības ilgo vēsturi.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, no 1960. gadiem līdz mūsdienām koncentrējas uz melnādainajām māksliniecēm, kuras strādā ārpus vai ārpus šī diktāta. Darbā ir iekļautas ugunīgas abstrakcijas, kas veidotas ar sarecējušajiem krāsu okeāniem, un smalkas izdrukas ar rozā nokrāsām un izsmalcinātu trašu. Dažas gleznas noplīst no sienām un dominē telpā; citi intīmi klusē un pievelk skatītāju arvien tuvāk savai mīklainajai atturībai. Bet visi pārkāpj estētiskās cerības, kas sakņojas patvaļīgajās rases un dzimuma kategorijās.

Kā paskaidrots izrādes kataloga ievadesē, šie mākslinieki strādā perifērijas perifērijā. Kur ir šīs vairākas perifērijas? Nevienā noteiktā prioritātes secībā ņemiet vērā pirmo dzimumu un abstrakciju. Pagājušā gadsimta vidū šajā jomā dominēja vīri, kuri pārņēma 19. gadsimta idejas par varonīgo mākslinieku un dēmonisko emocionālās izpausmes spēku. Sievietes, kuras strādāja neobjektīvos stilos, tika ignorētas, atstumtas vai nepareizi interpretētas. Kad viņiem izdevās gūt panākumus pēc saviem ieskatiem, bieži tas bija tāpēc, ka viņu izmantotā vizuālā valoda atspoguļoja cerības par viņu ķermeni un izturēšanos, maziem, smalkiem žestiem, klusinātām krāsām vai atkārtotām formām, kas nomierināja acis. Protams, bija izņēmumi, taču izņēmumi pastiprināja tradicionālās cerības parastajā veidā, kā vara sevi aizstāv: vai jūs apsūdzat mūs par jūsu izslēgšanu vai marginalizāciju? Nu, šis vientuļais pretējais piemērs mazina jūsu apsūdzību.

Tālāk apsveriet rasi. Šīs izstādes aptvertais laika posms izseko mākslas vēsturei no pilsoņtiesību kustības augstām iezīmēm 1960. gados līdz mūsu laika kustībai Black Lives Matter. Daudzas no šeit iekļautajām sievietēm pretojās mākslas veidošanai, kas bija nepārprotami politiska vai tieši saistīta ar melnādaino pieredzi. Abstraktā māksla bieži tika uztverta rasu izteiksmē kā elitāra forma, ko praktizē baltie mākslinieki. Melnādainajiem māksliniekiem bija paredzēts meditēt par melnādainajām idejām, izmantojot vizuālu valodu, kas iegūta no idejām par afroamerikāņu vai diasporas pieredzes afrikāņu saknēm.

[Nacionālā galerija aplūko 10 Vermērus mākslinieka vienaudžu kontekstā]

Mildredam Tompsonam, vienam no šīs izstādes izcilākajiem māksliniekiem, nekas no tā nebūtu. Viņa sacīja, ka kopēt simbolus, kurus cilvēks nesaprot, apzināti izmantot formu, ko neprot analizēt vai novērtēt, man bija prostitūcijas augstākais punkts. Un viņa nevēlējās atdot abstrakciju elites māksliniekiem: iespējams, tāpēc, ka es dzīvoju un mācījos kopā ar “whitey”, es iemācījos novērtēt savu melnumu.

Tas ir spēcīgs neatkarības apliecinājums, un to pastāvīgi apstrīd kritiķu, kuratoru, zinātnieku, kolekcionāru un auditorijas iesakņojušies ieradumi.

Tāpēc iekļautā māksla jūtas pārliecinoša, demonstratīva, tieša un neatvainojoša. Bet vai, neskaitot šo kopīgo jūtīgumu, pastāv saiknes starp šiem darbiem? Vai pastāv stila vai detaļu radniecība, kas saista kādu atsevišķu darbu ar 40 citiem apskatāmajiem darbiem? Vai ir kāds paņēmiens, kas pārsniedz individuālo mākslinieku?

Šī ir bīstama teritorija. Kad sākat meklēt šīs saites, jūs riskējat ierobežot to, ko mākslinieki ir centušies saglabāt: katra darba individualitāti un sui generis izteiksmīgo saturu.

Corning-painted pasta skolas rajona personāla katalogs

Un tomēr, šķiet, ir kopības vai radniecības pēdas, it īpaši tajā, kā vairāki darbi pauž šķelšanās vai šķelšanās sajūtu. Iespējams, tas parāda, kā vara iedarbojas uz mums, kā tas rada šķelšanos ne tikai starp sociālajām grupām, bet arī mūsu pašsajūtā. Spēks pasaka mums, kādiem mums vajadzētu būt, neatkarīgi no tā, kas mēs patiesībā esam. Tas atdala mūs no mūsu iedzimtās cieņas un nosaka savu cenu mūsu idejām, dāvanām, mūsu ieguldījumam.

Lielajā un dinamiskajā Shinique Smith, Whirlwind Dancer kompozīcijā, dekoltē ir fiziska. Glezna sākotnēji šķiet kā vienots, vienots objekts, kaut kāds virpulis vai viesulis, kas pusgadsimta gleznas materiālu un atkritumus iesūcis cilpojošā, viļņojošā tīras enerģijas izpausmē. Bet patiesībā tie ir savienoti divi audekli, un, pētot šo šuvi, jūs saprotat, ka līnijas vai formas šķērso sadalījumu tikai dažās vietās. Šī metafora par enerģiju, kas ir vesela, neskatoties uz to, ka tā ir izkliedēta pa spraugu vai plaisu, ir darba spēka būtība.

Barbaras Čeisas-Ribūdas skulptūra, kuras bronzas un auduma stelles šoruden ir apskatāmas Maikla Rozenfelda galerijā Ņujorkā, ir sadalīta horizontāli ar auduma svārkiem, kas, šķiet, iztur bronzas rumpja milzīgo svaru. Statuja iedzīvina dialogu, ko daudzi cilvēki izjūt iekšēji, starp sākotnējām bailēm, ka viss var sabrukt, un uzmundrinošu sajūtu, ka mums kaut kā izdodas to noturēt nieka ēterī.

[Nacionālā portretu galerija atlasa māksliniekus Obamas portretu gleznošanai]

Jennie C. Jones ir pārstāvēta ar darbu, kurā tiek izmantoti akustiskie paneļi, lai radītu klasiskas, minimālistiskas abstrakcijas. Bet akustiskie paneļi nes sev līdzi klusuma nojautas un dihotomiju, kas nav savādāka kā Čeisa-Ribūda darbs: vai tie ir par klusumu, kas ir audekls, uz kura tiek rakstīta mūzika, un atbrīvojošs garīgais spēks, vai tiek apklusināta, kura ir pirmā un fundamentālā varas stratēģija?

Šīs dihotomijas izplešas visā izstādē. Vienā īpaši elpu aizraujošā darbā, 1972.–1973. gada Hovardenas Pindelas gleznā bez nosaukuma, audekls ir pārklāts ar maziem punktiem, kas ir tāda paša izmēra kā mazie apaļie papīra gabaliņi, kas paliek pāri, izmantojot papīra perforatoru. Citā darbā viņa izmanto faktiskos apļveida papīra atlikumus, kas sajaukti krāsā, lai izveidotu dīvainas formas autobiogrāfisku darbu, atsaucoties uz laiku, ko viņa pavadīja Japānā. Bet beznosaukuma akrila gleznā viņa ir rūpīgi uzgleznojusi to divdimensiju pēdas uz audekla, kurā ietverts iluzionisks kroku raksts, it kā viss būtu iebāzts skapī vai atstāts guļot uz grīdas, nesakopts līdz nepilnībām. ieguva formu. Tas ir sarežģīts darbs, kas iedarbina prātu uz jautājumu virkni — kurš šos punktus izgatavojis, kurš un kādam nolūkam štancējis papīru, un kas rakstīts uz štancētā papīra lapām? — kas galu galā norāda uz ideju par tekstu vai dokumentu, kas mums tiek slēpts.

Šis ir jautājums, ar kuru varai ir stingri jāsastopas: kas mums tiek liegts? Šī izstāde ir viena, praktiska, pragmatiska atbilde uz jautājumu. Bet, protams, jautājums rada citu: ko mēs atturam no sevis?

Magnētiskie lauki: Amerikas abstrakcijas paplašināšana, 1960. gadi līdz mūsdienām ir apskatāma Nacionālajā sieviešu mākslas muzejā līdz 21. janvārim. Lai iegūtu plašāku informāciju, apmeklējiet vietni www.nmwa.org.